No se necesita un personaje miserablista, pobre, para hablar de la sociedad

Noviembre, 2026

La generación chilena que irrumpió en los primeros años del siglo XXI logró una relevancia internacional que en largas décadas no había conseguido su cinematografía. El caso de Sebastián Lelio es emblemático, con relatos que abordaban los dilemas personales y familiares de las clases acomodadas, los conflictos políticos y las contradicciones morales. Tras alzarse con el premio Oscar, mudó sus filmaciones a territorio británico y en idioma inglés. En años recientes que había retornado a su patria para rodar nuevamente ahí, la muerte lo sorprendió durante el rodaje de Poeta chileno —en que abordaba la figura de Nicanor Parra— el pasado 6 de noviembre. A manera de homenaje, el periodista Sergio Raúl López recupera la entrevista que concedió en torno a su más entrañable filme, Gloria.

La catarsis puede ocurrir incluso al cantar, a todo pulmón, simplonas tonadillas románticas: aquellos éxitos que, tres o cuatro décadas atrás, inundaban las radios en español —Massiel, Paloma San Basilio, Umberto Tozzi, Miriam Hernández— y que ahora conforman la programación de la nostalgia. Con sus tonadas pegajosas y ritmos machacones, resultan el vehículo perfecto para que Gloria exprese su vida de mujer madura, casi sesentona pero todavía atractiva, cuya sonrisa arrebatadora, casi luminosa, oculta detrás de unos amplios anteojos de armazones de plásticos y polímeros, esos mismos que las estrellas televisivas y fílmicas usaban en las modas setenteras y ochenteras, al igual que sus cabellos moldeados con pistola de aire y spray de lacas. El remedo de una star.

Pero ni sus carcajadas eufóricas, ni las absorbentes horas de oficina y mucho menos las salidas nocturnas y los amores pasajeros que encuentra en los salones de baile para adultos, acaban por hacerle olvidar el trauma de su divorcio ni acabar con la soledad de una madre con hijos ya independientes de su seno.

Y es que esa Gloria (Chile-España, 2013), el cuarto largometraje del realizador Sebastián Lelio (Mendoza, Argentina, 1974-Santiago, Chile, 2026), más que creíblemente encarnada por la actriz Paulina García —de larga y reconocida trayectoria teatral, pero en su primer papel protagónico en el mundo del cine—, no sólo cobró gran relevancia tras ganar el Oso de Plata a la Mejor Actriz en el sexagésimo tercer Festival Internacional de Cine de Berlín —donde el filme ganó el Premio Ecuménico del Jurado—, sino que logró distribución comercial internacional en medio centenar de países.

Y esa melancolía que raya en la cursilería pero también en la vida cotidiana de un país con refrescantes manifestaciones públicas juveniles, desigualdades sociales más que evidentes, adultos que quieren sacarle más provecho a sus vidas rutinarias y un tejido social siempre en movimiento aunque aparentemente estático, devino en la consagración mundial de Lelio.

Si bien nacido en la provincia argentina, desde los dos años vivió en Viña del Mar, tras el divorcio de sus padres, y comenzó una vida de mudanzas que incluyeron periodos en los Estados Unidos, sin establecerse de fijo en ninguna urbe. Intentó estudiar periodismo en la Universidad Andrés Bello para recalar definitivamente en la Escuela de Cine de la Universidad de Arte y Ciencias Sociales.

Tras realizar media docena de cortometrajes —Cuatro (1996), Música de cámara (1996), Smog (2000), Fragmentos urbanos (2002) y Carga vital (2003)—, dirigió un capítulo de la serie televisiva El futuro de Chile (2000) así como un par de capítulos de Mi mundo privado (2002-2003), codirigió junto con Carlos Fuentes el documental Cero (2003) sobre los ataques a las Torres Gemelas y videos musicales de Marciano, Javiera & Los Imposibles, Adanowsky, Sergio Lagos o Fernando Milagros, hasta lograr su ópera prima La sagrada familia (Chile, 2005), sobre las crecientes tensiones en una familia de arquitectos —la profesión de su propio padre—, que revientan a la llegada de la sensual prometida del hijo.

A su largometraje debut seguirían Navidad (Chile-Francia, 2011), sobre una pareja de adolescentes que, al visitar la casa del padre fallecido, encuentran a otra joven con la que pasarán una nochebuena que los iniciará a la dureza de la vida; El año del tigre (Chile, 2011), sobre un preso que escapa durante el gran terremoto del 2010; para desembocar en Gloria, que le entregaría un enorme prestigio internacional y lo consolidaría como uno de los grandes cineastas chilenos del nuevo siglo.

Su siguiente entrega tendría un éxito incluso mayor, Una mujer fantástica (Chile-España-Alemania-Estados Unidos, 2017), que logró el Oscar a Mejor Película en Habla no Inglesa, con Daniela Vega protagonizando a Marina, una mesera y aspirante a cantante trans que, a la intempestiva muerte de Orlando, su pareja 20 años mayor, ha de enfrentar los prejuicios y la rabia de la familia que busca recuperar las propiedades que compartía con ella.

Para Lelio vendría, en seguida —como para sus productores, los hermanos Pablo y Juan de Dios Larraín, de la casa productora Fábula—, la llegada a las grandes producciones anglosajonas con Desobediencia (Disobedience, Irlanda-Reino Unido-Estados Unidos-Bélgica, 2017), con dos superestrellas hollywoodenses y tocayas, Rachel McAdams y Rachel Weisz, una historia de amor y lesbianismo en el seno de una comunidad judía londinense ortodoxa y ultraconservadora. Además de Gloria Bell (Chile-Estados Unidos, 2018), muy disminuida y flácida versión en inglés de la pieza original pero con Julianne Moore y John Turturro.

A esta tendencia de filmar en territorio británico se añade El prodigio (The Wonder, Irlanda-Reino Unido-Estados Unidos, 2022), con otra luminaria internacional, Florence Pugh, una producción histórica ubicada en las Midlands irlandesas de 1862, con una enfermera inglesa que ha de cuidar a una infanta que sobrevive sin alimentos ante los crédulos vecinos que consideran milagrosa con la consecuente colisión entre fe ciega y hechos científicos, vuelta una liberación amorosa.

Finalmente, su noveno largometraje de ficción, La ola (Chile-Estados Unidos, 2025), significó el retorno del hijo pródigo a la patria andina con un musical que retrata el furor colectivo y las alegres pero indómitas manifestaciones feministas dentro de una universidad en la que Julia, una estudiante de música, que participa del movimiento, con grandes dudas sobre cierto asistente de su profesor, para acabar encabezándolo.

El viernes pasado 6 de noviembre, a siete y ocho semanas de finalizar su décimo filme, Poeta chileno, en el que abordaba la figura de Nicanor Parra —basado en la novela homónima de Alejandro Zambra—, el director fue hallado muerto en su residencia en Santiago de Chile. Además, trabajaba en la preproducción de la estadounidense Voyagers, la historia de amor del astrónomo Carl Sagan y la escritora Ann Druyan.

Si bien la familia, a través de su viuda, la actriz Amalia Kassai, explicó el deceso “por motivos de salud”, la Brigada de Homicidios de la Policía de Investigaciones chilena realizará las diligencias de rigor. En lo que todos estos asuntos se van clarificando, su velorio ocurrió de manera pública en la Cineteca Nacional de Chile, en el Centro Cultural La Moneda.

A manera de homenaje a la vida y trayectoria de Sebastián Lelio es que recuperamos la siguiente entrevista, a propósito de Gloria, realizada en el undécimo Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), en octubre de 2013.

—La película habla de la liberación emotiva de una mujer, que a una edad madura quiere volver a sentir el amor, disfrutar su sexualidad, aunque no se corresponda con los cuerpos de las estrellas hollywoodenses.

—Sí, yo creo que al irse filmando, la película fue descubriendo una de sus misiones, que era justamente ofrecer una representación de la edad adulta o de la entrada a los últimos episodios, menos infantil, menos eufemística, que ojalá sea capaz de encontrar cierta belleza ahí donde la belleza no debería estar según el cliché social, que es infantilista, que además está obsesionado con la juventud y que niega la muerte. Eso es lo que pasa… A mí me parece que la obsesión con la juventud es una negación de la muerte: no queremos ver los cuerpos viejos porque no queremos enfrentar la muerte. Pero nadie que no enfrente la muerte puede, realmente, vivir, que es una de las cosas que la película propone por debajo.

—¿Cómo lograste dirigir a una actriz de interpretación tan contundente por lo que carga a sus espaldas, que no es sino la película entera, que además está escrita para ella? ¿Por qué te atrajo tanto Paulina como actriz?

—Bueno, siempre la admiré y siempre me sorprendió mucho que nadie la llamara para hacer un protagónico en el cine. Ella siempre hizo papeles menores y muy pocos, tiene una carrera notable en teatro, genial, muy respetada, pero en cine, teniendo esa presencia que tiene, me da la sensación como que nadie la había descubierto, ¿te fijas? Y entonces ahí hay una reivindicación para con ella y también significaba darse el lujo de trabajar con una artista que está en el pico, en el dominio casi absoluto de sus herramientas expresivas. Y lo ves: el rango que usa, cómo se mueve, ella está en estado de gracia y lo mantiene y lo cuela y contamina todo, pero porque la película es eso, es esa actuación, es un dispositivo para disparar ese talento y es una apuesta a todo o nada: si ella fallaba la película fallaba con ella porque son una y la misma cosa. Por algo se llama Gloria y no Los misterios de la edad.

—En el cine chileno reciente no existe un tono de rechazo al retrato de la clase acomodada, mientras que al cine latinoamericano en general le funciona más retratar la pobreza, la miseria.

—Yo creo que más que una clase alta es una clase educada, porque es gente de trabajo. Tampoco son intelectuales de izquierda y hay algo emocionante en eso, quizás en descubrir que hay una película allí. Esa idea de que hay un cine posible en todas partes está también en el corazón de la película, el problema es cómo verlo. No se necesita un personaje miserablista, pobre, para hablar de la sociedad, no es el único camino posible. Las estrategias pueden ser muchas y quizás es un deber ampliar las formas expresivas, los mecanismos de generación de sentido, no caer en la misma forma de hacer que el cine hable, porque si no se vuelve un territorio conocido y se deja de poder hablar, deja de decir algo, se convierte en un cliché.

—No requeriste ir a la cordillera de los Andes para mostrar que Santiago está a sus pies, y aparece en una conversación en un restaurante con ventanales panorámicos.

—Exactamente. O quizá la manera más eficiente de ser profundo sea usar una balada romántica barata. No sé… es la contradicción de nuevo.

—Es cierto. El filme transcurre entre una abundancia de esas canciones setenteras. Lo mismo interpretada en vivo que en discos del pasado. Y eso es un factor muy importante para el relato.

—Claro, porque también yo creo que la película, tratando de no ser sentimental, se ensucia las manos con los sentimientos y con las emociones, y en ese sentido la música es muy natural, es un dispositivo que, antes que nada, conecta con el sistema emocional y luego ya con el intelectual, pero primero entra por el mismo lugar por el que entra el cine.

—En el cine chileno encontramos una generación de realizadores que han crecido juntos. ¿Qué tanto compaginan sus estilos, su forma de ver el cine, sus edades?

—Nosotros estrenamos las primeras películas al mismo tiempo. Entre el 2005 y el 2006 aparecieron las primeras películas de la nueva generación y ha sido un proceso de conocerse, de ser amigos, de ir creciendo, de ir compartiendo los guiones, los datos. Ha sido un aprendizaje, sobre todo de amistad, con algunos más que con otros, pero, en general, hay un respeto grande en el medio, lo que es bastante excepcional, es muy bueno. Y aunque desde afuera lo que está pasando se ve como novedad, de alguna forma, para los que hemos estado trabajando consensuadamente desde hace años, es el producto natural de un trabajo dedicado, es la desembocadura natural.

“Además, el hecho de que No (Chile, 2012, de Pablo Larraín) y Gloria sean películas que se estrenan comercialmente en más de cincuenta países es un terreno nuevo, es una conquista nueva y es muy interesante porque implica pasar el rompeolas de los festivales de cine y entrar en un mundo que es más real y está muy bien, aunque no desacredita lo anterior, simplemente lo hace más complejo y ofrece más caminos posibles.

“El cine no tiene nacionalidad. Es bueno o malo, pero el país no es tan relevante, ni siquiera el idioma. El cine es un lenguaje que no tiene casa, cuya única casa es el cine mismo, digamos. Entonces, el cine tiene que ser libre y de calibre, no de una nación”.

—Y eso lo vuelve universal.

—Ya lo creo, claro; eso es lo bello que tiene.